艺术是为少数同好而生，时装却还是为普罗民众而造。固然大师存在的意义在于展示超前的理念以引领方向，但一位设计师的成功与否却同时被艺术与市场的双重尺度所考验着。并不意外，生活永远不可能等同于T台，艺术也永远无法代替实用。过于艺术化与概念化的时假装品往往并不热卖，叫好与不叫座南辕北辙着。就像时装评论界以为Alexander McQueen过世之后终于出了个有趣的Iris Van Herpen。可深海异类正常的廓形你认为谁有胆穿戴招摇过市，恐怕这件事也唯有寄情于Lady Gaga了。
诗意的Christian Lacroix则是浪漫派古装艺术的代表。早年学习艺术史而落后入博物馆担负馆长……这样的履历为他的设计蒙上浓烈的艺术气味。法国奇特的Chartreuse酒普通的黄绿、赫然的桃红与宝蓝……画作般的配色。飘渺的雪纺、细碎的抽皱、繁复的叠搭、精细的刺绣。Christian Lacroix素来不辱“巴黎驯服者”的美名。他的设计繁复精巧甚至于出产进程无奈假以机械，必需手工缝制。他曾坦言其设计秘诀便是“让往事物无休止的振兴”。他精妙的再造之下，让随便的定格也能成为一幅无懈可击的贵族宫廷画。
艺术的神圣与脱俗对于适用属性的时装而言始终是一件奢侈的事。若干年来，纵然高等时装能够极尽奢侈之能事亦仍然难以解脱少许凡尘俗世的滋味。而所有天才的设计师亦仍旧用属于本人的时装语言赞扬着艺术并等待成为艺术的一局部。作为Yves Saint Laurent的代表作向蒙德里安致敬的红黄蓝构图连身裙便是胜利的典型之一。然而聪慧的时装人面对市场与艺术的两难，显然更清楚的找到了一种独特的而完善的双赢解决计划：跨界合作。
今年以来，各品牌的大范围换将起因不过乎是时装的销量无法尽如人意。曲高和寡的时装之美与事迹始终难成正比。始终以来，设计师们仍为在前瞻性的理念、艺术化的设计作风与实用性之中寻找着均衡点。从Rick Owens的“哥德式极简主义”到Gareth Pugh的“可穿的雕塑”。人人爱出挑，却不要适度出位。适度的幻想化与控制分分钟考验着设计师的拿捏才能。
诚如Christian Lacroix所说：“时装是一种艺术，而成衣才是一种工业;时装是一种文化概念，而成衣是一种贸易范围;时装的意思在于描绘观点和意境，成衣则侧重销售利润。然而，时装设计的最高境界在于如何使艺术实用化，使概念详细化。人人都会用珍珠、貂皮装点衣裙，但设计一件表面朴实天然合身又不影响举动的连衣裙却是考验巨匠的困难。因为既要让大众接收，又要体现光鲜的个性，还要融会迷信原理，再加上设计师的构思，展示才干和特技的细节，谁能把这一切以最简略的形式完成，谁才是真正的天才。”然而就算技能高深娴熟如他，也仍未逃过品牌破产关门大吉的恶运。
“反传统、反豪华与变态规“的理念同样被比利时的“安特卫普六正人“所热衷。坚挺质感的礼服、内衬外露的未完成主义、须要360度审视的小雕塑般的立体时装推翻了了墨守成规的时尚圈。作为解构主义设计师的代表，Martin Margiela在颠覆传统的同时从新感性的审视及部署重建时装的结构。他将长袍解形成外套，旧袜子变作毛衣……那些结构被重大攻破以及重塑的作品是在思维以及行为意识上已经超越了时装带给大众的广泛意义。
日本设计界在这一方面也毫不落于人后，山本耀司、川久保玲、三宅毕生……浓厚到失望的玄色、混杂的性别观、折纸般的褶皱打造的尖利廓形与一件衣服多条袖子、多个领口的所谓“打坏的构造”……出其不意、细节却又精致的出奇。如山本耀司自己所说：“我的幻想即是可能穿梭时间进行设计，凡身着我所设计的时装的人，所要抒发的必定是忠于自我的一种个性。”这些奇思妙想的设计使人们第一次对于时装的结构发生了反思。常规性是否公道、服从惯例的意义又是什么?显然针对时装的探讨回升成了一个深入的哲学识题 香奈兒包包。
岳敏君的画作呈现在奥迪的平面广告中、艺术家丁乙应邀为爱马仕设计了名为“中国韵律”的丝巾，杨福东为Prada春夏男装广告掌镜、周依为Gripoix设计的首饰系列、雷梦婷为Chanel绘制系列插画……
这种以展览的情势将品牌文化深刻人心的策划同样是近年来品牌与艺术贴近的模式之一。2009年北京故宫博物院卡地亚瑰宝展;2012年纽约大都会博物馆的"Schiaparelli and Prada"的隔空对谈;今年年初在中心美术学院美术馆举办的《PRADA中国首秀服装展》，5月，国度博物馆举行的路易威登艺术时空之旅展览，11月中国美术馆的《文明香奈儿》艺术展……这种跨界的交换不仅赢得了热衷时尚的人群更博得了醉心于艺术的花费者的视线。
同年，Hermes亦抉择揭开了寰球首个艺术盛典“THE GIFT OF TIME”的序幕。身兼诗人、画家、装饰艺术家、摄影家及布景设计师的Hilton McConnico，是爱马仕长期的协作搭档，他曾为东京跟首尔爱马仕大楼内的博物馆负责装潢设计。当然，他的作品屡获殊荣，当中更有不少被纳入世界各地的博物馆作为永恒藏品。全部展览由其亲身设计及谋划，他为这次展览发明出一个象征时间围绕的设想之旅。坠满“时光碎片”的墙壁、用黑暗来反思的房间、优美等同艺术品的马具、宛如爱丽丝环境个别的安装作品……所有正如Hilton所说的那样：时间像是一个圆圈，没有完结、不半途、也没有开端。相较Louis Vuittion在配合展览同时推出系列单品的手段，Hermes以艺术的意念培育客户对品牌认同感及虔诚度的伎俩显得更加意象化。
在时装设计美感的艺术化以外，特破独行的设计师们在其展现存在方法本身亦有所为。从Alexander McQueen让模特衣着白色衣裙置身两台喷绘机器中边旋转边实现时装的染色，到Jean Paul Gaultier以芭蕾舞形式舞动着展示时装……一场show因为形式的不同让底本唯有张望的观众立即变身为参加鉴证的一份子，这自身也恰是一种与时装有染的行动艺术。
跨界与限量合作系列的出生无论是在品牌的内涵方面还是刺激消费的角度都是一种晋升。一方面艺术始终被认为是一种恒久的时尚、另一方面在艺术家不同视角的加成之下原有的品牌文化又焕发出了新的活力。商业上的成功让品牌对这种跨界趋势若骛。Louis Vuittion与村上隆的合作堪称业界艺术与时尚成功合作的开始，Monogram Multicolore系列甚至引起了全球的抢购潮。增进销售的同时也让更多人意识了村上隆及其作品。而Louis Vuittion与艺术家的合作系列甚至成为了他们令人期待的招牌系列。今年日本艺术家“波点太后”草间弥生将反映她幻觉的波点带入了Louis Vuittion，让时尚老牌焕发了浓烈的波普艺术质感也将整个系列推上了话题的巅峰。
中国艺术家的频繁商业合作一方面侧面的证明了中国在世界奢侈品市场中位置的迅猛攀升，而另一方面也引起了艺术界对于艺术家们在品牌合作中的自在度以及自我底线的探讨。艺术家是否在合作中以独特的艺术符号及语言得到了另外一种形式的宣泄还是唯好处马首是瞻，七嘴八舌。
艺术与风气的蠢才合谋
“中国在此市场中仍是个孩子，但孩子往往成长最快”诚如欧洲奢靡品业界对于中国奢侈品市场的评估，奢侈品在国内的销售成多少何增加的态势更直接带动了一线品牌与海内艺术家合作的高潮。
时装界的艺术家们
流芳百世亦或业绩飘红？
以时装为表现形式的艺术家范畴中，Thierry Mugler是一个闪闪发光的名字。他的时装锋利多变，从粗鄙的性觉得形象的简约，绝不拘泥于所谓的同一风格。灵感源泉更是天马行空、富于变更。动物、动物、汽车、机械都可以成为他的缪斯。他擅长应用夸大的戏剧化手法来表示时装之美。由于他对产业造型与直线条几何体的浓重兴致，其标记性的女装轮廓等于个鲜亮的锥形。面料的采取与细节的装饰也光明醒目判若两人的虚夸。是的，Thierry Mugler的时装很难让你穿上街，它们大多为了T台或戏剧而生，显明、张扬、无所害怕。此外，Thierry Mugler不仅用时装展示单纯的美，他也用时装嬉笑怒骂的讲着故事。在他的时装世界中，实用显得不值一提，这些富丽的时装们就像来赴一场盛宴，没人爱慕低调，似乎欢愉与纵情尽性才是时装界的后人独一会津津有味的。
宏大市场培养中国艺术家的时尚春天?
对于艺术家在商业合作中的掌控力实在是依审阅者个人视角的不同所决议的。然而无论如何，咱们必须否认艺术与时尚是一种彼此间的宏大推能源，艺术让时尚超出了实用属性，而时尚让艺术不再至高无上的变本加厉。他们之间千头万绪的接洽正阐明了他们无论的在品德美感、审美角度、文化内涵以及表白理念的诸多共通。即便不去消费奢侈品，那些布展精妙的时尚佳作仍可以荡涤喧嚣城市中日益浑浊的双眼、领导以及率领我们发明生涯之中轻微的艺术之美。
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